Cómo disolverse en el oleaje citadino en la obra Otra vez lunes

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Llega el lunes y la ciudad vuelve a ponerse en marcha como una máquina que nadie recuerda haber encendido. Horarios, corridas, bocinas, pantallas y una multitud que se cruza sin mirarse componen el paisaje cotidiano de cualquier metrópolis contemporánea. Sobre ese fondo trabaja Otra vez lunes, la obra del Colectivo de Trabajo Lascia que, en su segunda temporada en Nün Teatro Bar, sigue a un pueblerino melancólico mientras se interna en la espesura urbana en busca de trabajo y de una historia de amor que no termina de cerrar.

La puesta, dirigida por Pablo Bellocchio junto a Cecilia Grüner, sostiene su relato menos desde la palabra que desde el cuerpo. Un escenario desnudo, un diseño de luces preciso y una elección sonora que crece hasta volverse presión alcanzan para construir esa ciudad que no se ve pero se padece. El resultado incomoda porque resulta familiar: cualquiera puede reconocerse en esos autómatas amables que cumplen su tarea sin establecer contacto verdadero con nadie.

Rituales de la gran ciudad

La primera parte de la obra funciona como inventario de una alienación compartida. Lejos de presentar grandes acontecimientos, la escena acumula gestos mínimos y repetidos que, sumados, dibujan una forma de vida.

• Frases hechas y sonrisas falsas que reemplazan a la conversación.
• Transporte público colmado, apuro permanente y horarios que no perdonan.
• Incomunicación y falta de empatía, incluso en medio de la multitud.
• Vínculos mediados por máquinas que, al conectar, aíslan todavía más.

Los protagonistas aparecen transformados por ese engranaje: avanzan como si no vieran, no escucharan y no pudieran decir nada propio. La imagen es teatral, pero su verdad es documental. La ciudad contemporánea produce ese efecto de disolución, donde cada historia particular corre el riesgo de perderse entre millones de historias simultáneas.

Esa tensión entre lo íntimo y lo urbano está en el centro de las preguntas que la propia coreógrafa y codirectora se formula. Grüner se interesa por saber qué lugar queda para la sensibilidad de las personas en un contexto que, según sus palabras, puede comerse crudo a cualquiera. La obra no ofrece una respuesta cerrada; deja los interrogantes flotando en la sala, para que cada espectador los complete con su propia experiencia del mismo modo en que otras propuestas porteñas exploran los límites de la percepción, como Savia.

Romina, la ausente que está en todas partes

En medio de la rutina aparece una fisura afectiva. El protagonista llegó a la ciudad por trabajo, pero su búsqueda está atravesada por Romina, la mujer que abandonó su vida sin explicar por qué. Su ausencia se vuelve omnipresente: él repasa el pasado de manera obsesiva, intentando encontrar los motivos de una partida que nunca termina de entender.

El momento más citado de la obra recurre a Julio Cortázar. El abandonado recita de memoria el comienzo del capítulo siete de Rayuela, ese pasaje en el que tocar una boca equivale a dibujarla por primera vez. Mientras lo dice, Romina parece escucharlo y baila con suavidad, en una imagen de cercanía que dura poco.

La danza, poco a poco, acelera hasta volverse frenética, arrastrada por una música que crece sin pausa. Él fuerza la garganta hasta el grito, pero el esfuerzo resulta inútil: el ruido y el apremio de la vida citadina ya aplastaron su voz. La escena resume la tesis corporal de la obra mejor que cualquier discurso. No hace falta que nadie le tape la boca al personaje; le basta con una ciudad entera sonando encima de él.

Ese contraste entre fragilidad individual y maquinaria colectiva emparenta la propuesta con otras piezas atentas a la condición humana, como Apenas el fin del mundo, aunque aquí el lenguaje elegido sea el movimiento antes que la palabra.

Una dramaturgia nacida en laboratorio

Nada de esto fue escrito previamente sobre un escritorio. Según explica la codirectora, la dramaturgia y la historia se construyeron junto a los actores, a partir de un extenso período de improvisación sobre un universo de sentidos y símbolos. De ese trabajo de casi dos años en laboratorio fueron destilándose las coreografías y el material formal que hoy llega a escena.

Ese origen explica la cohesión del elenco y la precisión de los cuerpos. El trabajo físico no ilustra un texto: lo reemplaza, lo discute y, en los mejores momentos, lo vuelve innecesario. Luces, sonido y desnudez escénica completan un dispositivo que confía en la inteligencia sensorial del público.

Grüner aclara, además, que la intención original no fue formular una crítica puntual contra algo. Sin embargo, reconoce que el conflicto resulta inevitable cuando un cuerpo sensible queda atrapado entre la obligación y el ritmo citadino. La crítica, en todo caso, proviene del espectador, que se reconoce en esa contradicción y completa el sentido desde su butaca.

El elenco reúne a Marivi Yanno, David Subi, Josefina Rotman, Delfina Oyuela, Omar Morón, Florencia Lamas, Nicolás Dezzotti, Fernando Del Gener y Marianela Ávalos. El vestuario es de Gina Michienzi, la iluminación de Pablo Calmet, la música original de Jerónimo Duarte y la asistencia de escena, de Paula Cortona, un equipo que sostiene la continuidad de una obra que va por su segunda temporada.

Lascia y la persistencia de un colectivo

Detrás de la propuesta hay una trayectoria que conviene recordar. El Colectivo Lascia nació en 2011 por iniciativa de Pablo Bellocchio, y desde entonces estrenó, en espacios como Timbre 4, títulos como Antes de que abras los ojos, Abrir la puerta, Si no te veo, felices fiestas, Esto es tan solo la mitad de todo aquello que me contaste, Dos, una desconexión y Abulia. En paralelo a esta temporada, el grupo mantenía en cartel esa última pieza mencionada, con funciones de viernes a las 21 en Espacio Polonia, sobre Fitz Roy 1477.

Otra vez lunes se presentaba en Nün Teatro Bar (Juan Ramírez de Velasco 419), con funciones de lunes a las 21, un dato que completa su sentido: verla ese día, a esa hora, convierte la salida del teatro en una prolongación de la obra. La ciudad sigue allí, con su oleaje intacto, y cada espectador debe decidir si se deja disolver en él o si todavía puede escuchar, entre tanto ruido, una voz propia. Esa pregunta, sencilla y persistente, es la que la obra deja resonando mucho después de que se apagan las luces, en sintonía con el retorno a los dramas de la infancia que propone Chau Misterix: volver a mirar lo cotidiano como si fuera la primera vez.