Chile reflexiona su propia historia a través del teatro

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La sexta edición del Temporada Alta en Buenos Aires (TABA) volvió a convertir las salas de Timbre4 en un punto de encuentro del teatro iberoamericano. Durante once días, compañías llegadas de España, Francia, México, Uruguay, Brasil y el propio Chile compartieron cartel con elencos locales en un total de 31 funciones de doce obras, la mayoría con recorrido previo, más un estreno oficial dentro del festival, además de conversatorios y workshops para los participantes. De ese menú, las dos propuestas chilenas —Yo maté a Pinochet, de Cristian Flores Rebolledo, y Pompeya, de Gerardo Oettinger— compartieron una misma convicción: el escenario puede ser el lugar donde un país discute la historia que le contaron.

Un hombre que dice haber matado al dictador

La primera función trasandina del festival fue Yo maté a Pinochet, escrita y protagonizada por Cristian Flores Rebolledo, con dirección compartida con Alfredo Basaure Espinoza. Estrenada en Chile años atrás y con temporadas en España y Francia, la obra es un unipersonal que pone en escena a un integrante del Movimiento Juvenil Lautaro, el brazo armado del MAPU Lautaro. El personaje se reencuentra con amigos de otros tiempos y les hace una confesión imposible: asegura que en 1987 mató él mismo al dictador, y sostiene que todo lo ocurrido después fue una conspiración del Estado chileno, que habría ocultado el asesinato para preservar el mito y también su poder.

La reacción de sus viejos compañeros de ruta dispara en el protagonista una crisis que expone las heridas todavía abiertas de una época cuya versión de los hechos quedó, sobre todo en Chile, en manos de los vencedores. La memoria ocupa entonces el centro de la pieza, pero también el teatro mismo como herramienta de posicionamiento. Porque toda historia a la que se le niega existencia esconde también un cuerpo al que se le niega el suyo, y aquí el cuerpo es casi todo: el personaje se construye casi por completo desde el gesto y desde la emoción que cada gesto deja ver, y en esa corporeización los recuerdos dolorosos se hacen presentes y, en cierto modo, se liberan. El despliegue del actor es, en ese sentido, lo más destacable del montaje.

La única falla aparece en el texto: por momentos se quiebra el tono particular del personaje y asoma algo demasiado parecido al discurso político puro, con metáforas subrayadas en exceso. Con todo, la intención del autor es clara y la explicó en una entrevista radial con Télam: frente a una historia oficial chilena que presenta a los asesinados y encarcelados del régimen militar como pobres engañados e inocentes, la obra se propone devolverles el proyecto político a esos sujetos sociales. No se trata de dejarlos fijados en el lugar de víctima, sino de recuperar su costado activo e idealista —y también violento, lógicamente— en una guerra sin cuartel donde el proyecto derrotado fue el suyo. El escenario se convierte así en un espacio desde el cual construir un relato disidente, una contra-historia, en sintonía con esa búsqueda de identidad que atraviesa obras como Incendios.

Una familia elegida en un departamento de Santiago

Otro es el territorio de Pompeya —escrita por Gerardo Oettinger y dirigida por Rodrigo Soto—, construida a partir de testimonios y material documental. La acción transcurre en un departamento pequeño de Santiago, donde sobrevive una familia de travestis: Suzu, la maternal y ya retirada; Beyoncé y Leila, y Lucho, que antes fue una más del grupo y hoy oficia de “cafisho” guardián de sus compañeras. Falta una: la Kena lleva días sin aparecer, y la trama gira alrededor de su paradero hasta revelar qué pasó con ella. La sospecha inicial recae sobre un grupo de travestis colombianas recién llegadas a la ciudad, algo así como la competencia del grupo.

Frente a una desaparición, una vez más la pregunta por el cuerpo vuelve a romper el orden. Cuando Leila se entera de que en la morgue policial apareció un cadáver quemado, pelea con los policías para que le permitan verlo y comprobar si se trata de su amiga. El derecho le es negado porque no es familiar de la desaparecida, pero sobre todo porque la desaparición de una travesti no le importa a casi nadie. El desamparo completo del colectivo trans frente a las instituciones queda así denunciado: como dicen sus autores, en Chile no ha habido avances reales en materia de derechos desde los años de Pinochet hasta la actualidad.

La obra muestra, además, que el rechazo no viene solo de las instituciones: también anida en una sociedad civil que traza fronteras incluso entre los marginados. Lo trans aparece aquí no tanto como una identidad negada sino como aquello que inevitablemente deriva hacia el margen y se vuelve inmigrante dentro de su propia sociedad. Paradójicamente, la salida que ellas imaginan es operarse en forma definitiva; no lo piensan como autoafirmación, sino como una manera de limar la diferencia hasta ser readmitidas en el deber ser.

El sueño de Beyoncé es convertirse en ama de casa con un marido para atender. Leila, en cambio, es la “travesti-fascista”, según la define Lucho: culpa a las colombianas de cada uno de sus problemas sin advertir que todas ocupan el mismo margen. El desenlace es el más triste y estúpido posible: la Kena había muerto, y sus amigas hermanas quedan envueltas en un ajuste de cuentas con el grupo rival que probablemente sume otra muerte, mientras Suzu, la vieja que ya lo vio todo, vuelve a rezarle a la virgen de Pompeya.

El cuarteto de actores —Gastón Salgado, Gabriel Urzúa, Rodrigo Pérez y Guilherme Sepúlveda— sostiene un trabajo notable: diálogos que se intercalan a una velocidad y un volumen infrecuentes en escena, conformando un cuadro casi coreográfico en tensión permanente, apenas interrumpido por el humor, que irrumpe como ruptura del artificio. Queda la duda de si el discurso de conciencia de clase que encarna Lucho no resulta algo forzado para un grupo con problemas mucho más concretos por resolver. Pero el valor de la propuesta para hacer visible una realidad omitida por los relatos oficiales resulta innegable, y su hallazgo mayor acaso sea otro: la familia elegida como refugio frente a una sociedad que rechaza y desaparece, un procedimiento de memoria escénica cercano al de las historias nacientes del laboratorio de Ricardo Bartís.

Fichas y balance

Para quienes quieran seguir el rastro de ambas producciones, los créditos completos:

• Yo maté a Pinochet: diseño gráfico, Alejandro Délano Águila; universo sonoro, Juan Manuel Herrera; diseño integral, Ricardo Romero Pérez; elenco, Cristian Flores Rebolledo; dirección, Alfredo Basaure Espinoza y Cristian Flores Rebolledo.
• Pompeya: dirección de Rodrigo Soto; dramaturgia de Gerardo Oettinger; elenco de Guilherme Sepúlveda, Rodrigo Pérez, Gabriel Urzúa y Gastón Salgado; diseño sonoro de Daniel Marabolí; diseño integral de Gabriela Torrejón; producción de Alessandra Massardo.

Terminado el festival, las dos obras llegadas de Chile dejan una certeza compartida: su posicionamiento político, fuerte y necesario, revela al teatro como una herramienta útil para tomar conciencia y buscar justicia. En un continente donde los festivales también sirven para poner el cuerpo frente a la historia reciente —como la experiencia extrema de la versión teatral de 2666 en el FIBA—, el TABA demostró que la escena trasandina tiene mucho para decir sobre el pasado común: no lo cuenta desde los libros oficiales, sino desde los cuerpos que todavía lo cargan.