Marco Sanguinetti: contra el músico que solo hace lo que tenía que hacer

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Hay una frase que define la poética del pianista Marco Sanguinetti mejor que cualquier reseña: no le gusta cuando el músico se limita simplemente a hacer lo que tenía que hacer. La sentencia, pronunciada en conversación con esta revista en enero de 2018, apunta contra la corrección vacía, contra la ejecución impecable pero sin riesgo, y a favor de una idea del jazz —y de la música en general— como territorio de búsqueda permanente. Sanguinetti, uno de los pianistas más singulares de la escena argentina, ha construido su obra exactamente en ese borde: el que separa lo escrito de lo que puede suceder.

El piano como laboratorio

Formado en la tradición del jazz pero inquieto frente a cualquier etiqueta, Sanguinetti ha desarrollado un lenguaje donde conviven la improvisación, la composición contemporánea y una atención casi obsesiva por el sonido. Sus discos funcionan como laboratorios: cada uno plantea un problema distinto, un dispositivo de trabajo que pone a prueba a los músicos que lo acompañan y al propio instrumento.

Esa actitud lo emparenta con otros exploradores del jazz local, como Esteban Sehinkman y su negativa a congelar la tradición, y con la nueva generación que entiende que los discos son fotos del momento, como sostiene el proyecto Valles: registros de un estado de búsqueda antes que monumentos cerrados.

Hacer más de lo que había que hacer

La frase de Sanguinetti puede leerse como una declaración de principios en varios planos. En el plano técnico, significa no conformarse con la lectura correcta de una partitura o de un standard: hay que encontrar lo que la música todavía no dijo. En el plano compositivo, implica escribir dejando espacios abiertos, zonas de indeterminación donde la pieza se complete en el momento de tocarla. Y en el plano ético, supone una responsabilidad: el músico debe al público y a la música algo más que profesionalismo.

De ahí que sus proyectos suelan combinar materiales muy diversos: versiones que desarman canciones conocidas hasta volverlas irreconocibles, composiciones propias de arquitectura compleja, improvisaciones colectivas. La sorpresa, en ese marco, no es un efecto buscado sino la consecuencia natural de no repetir fórmulas.

Entre las constantes de su trabajo pueden destacarse:

• La relectura radical de repertorios ajenos, tratados como punto de partida y no como reliquia.
• La improvisación como forma de composición en tiempo real.
• El cuidado del timbre y del espacio, incluso en los pasajes de mayor densidad.
• La formación de grupos estables donde la escucha mutua es el verdadero instrumento.

Radiohead y otras obsesiones

Una de las derivas más conocidas de su búsqueda es el diálogo con la música de Radiohead, banda a la que Sanguinetti se ha acercado desde la pampa húmeda del jazz argentino para reescribirla en clave de piano y grupo. Ese cruce, que la revista exploró en la nota dedicada a Sanguinetti y Radiohead, muestra su método en estado puro: tomar un repertorio amado por millones, despojarlo de su sonido original y descubrir qué melodías y qué climas sobreviven al trasplante.

Lejos de ser un ejercicio de estilo, esas versiones prueban que una canción bien escrita puede habitar muchos cuerpos. Y prueban también la tesis del pianista: un músico que solo hace lo que tenía que hacer jamás se habría atrevido a intentarlo.

Esa búsqueda tuvo un capítulo inmediato en 9, el disco que presentó a comienzos de 2018 tras el impacto de Cómo desaparecer completamente. Si en 8 había probado un modo de componer, producir y mezclar que lo dejó conforme, en el nuevo álbum retomó esas ideas con mayor confianza, como quien vuelve a golpear una pelota que ya regresó del paredón. La recepción crítica acompañó ese camino: por segundo año seguido encabezó la encuesta de música creativa de la publicación digital El Intruso. Piezas como «Subte» y «Murga triste» dejan oír, además, una Buenos Aires urbana y contemporánea filtrada por ritmos locales nunca exhibidos como postal.

Tocar en vivo: donde la tesis se comprueba

Si los discos de Sanguinetti son laboratorios, sus conciertos son la demostración pública del experimento. En vivo, el pianista estira los tempos, desarma las melodías en el aire y obliga a la banda a una escucha de equilibrista: nadie puede limitarse a cumplir su parte porque la parte misma cambia sobre la marcha. Esa tensión es la que el público percibe como electricidad, y es también la traducción escénica de su frase: lo contrario de un concierto correcto es un concierto vivo.

El formato de grupo reducido le permite, además, un nivel de detalle casi camerístico. Cada instrumento ocupa un lugar preciso y cada silencio pesa. En ese tejido, la improvisación no es un adorno solista sino una conversación donde todos pueden interrumpir, proponer y desdecirse. El resultado es una música que exige atención pero la devuelve multiplicada.

Hay, finalmente, una pedagogía implícita en su manera de tocar. Quien lo escucha aprende a escuchar: a distinguir entre la ejecución que cumple y la que descubre, entre el músico que repite y el que piensa mientras toca. Por eso sus conciertos suelen dejar en el público una sensación doble, de disfrute y de exigencia, que es la marca de los artistas que no subestiman a su audiencia.

Una escena que se piensa a sí misma

Sanguinetti forma parte de una generación de jazzistas argentinos que dejó de mirar a la tradición como un museo. En esa escena, el jazz dialoga con el rock, con la música contemporánea y con las tradiciones locales sin pedir permiso, y produce discos que son a la vez documentos de época y apuestas de riesgo. Su insistencia en ir más allá de lo debido funciona, en ese contexto, como un manifiesto colectivo.

Quien lo escuche en vivo lo comprobará: hay momentos en los que la música parece a punto de desarmarse, y es exactamente ahí donde empieza lo interesante. Porque para Marco Sanguinetti, cumplir con lo previsto es solo el punto de partida. Lo demás —lo que no había que hacer y sin embargo sucede, para bien de todos— es la música misma.