El filo del arma mortal en El Reñidero

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Un clásico del teatro argentino volvió a escena convertido en danza. El Teatro San Martín reestrenó El Reñidero, la obra de Sergio de Cecco que despertó la curiosidad del público en la década del sesenta, esta vez en versión del coreógrafo Alejandro Cervera junto al Ballet Contemporáneo de la compañía. Con música original de Zypce y músicos en vivo, la puesta traslada la pelea de gallos al cuerpo: la venganza se hace carne inocente, atravesada por olores y ecos de una historia que los argentinos reconocen de inmediato.

La temporada ocupó la Sala Casacuberta, sobre la avenida Corrientes 1530, con funciones de jueves a domingo a las 20.30. Las fotografías de Carlos Furman registraron aquella temporada sobre las tablas del San Martín. Pero lo que ocurrió sobre ese tablado excede el dato de cartelera: es una relectura completa de una tragedia conocida, contada con cuerpos que se activan y se congelan como fotogramas de una película que se repite.

Una foto que empieza a moverse

El escenario aparece sutilmente iluminado y cinco personajes se presentan posando, como detenidos para una fotografía. Un bandoneón suave decora la imagen hasta que esos cuerpos quietos pero despiertos empiezan a comunicarse. El espectador sabe de antemano la historia, su inicio, su nudo y su desenlace trágico; la pregunta que la puesta instala es otra: qué tienen para contar estos intérpretes cuando todo parece ya dicho.

La matriz es la Electra de Sófocles, y sobre ella orbitan la venganza, el deseo y la traición. El propio Cervera lo define en estos términos: «esa violencia sórdida y trágica aparece entonces marcada en resplandores que conocemos de la Argentina de hoy, violenta y un poco a la deriva». Desde esa declaración de principios, la obra se ofrece a la mirada en tres frentes simultáneos:

• La danza teatro, como lenguaje central del relato.
• La música en vivo, entre el bandoneón, la percusión y los sonidos actuales.
• La historia argentina, como trasfondo que tiñe cada gesto.

Cinco personajes, un solo cuerpo herido

El reparto central condensa el drama familiar de la tragedia griega trasplantada. Elena, la Electra de esta versión, se enlaza con su padre, Pancho Morales, en una conexión de cuerpos de padre a hija. Nélida, en el lugar de Clitemnestra, teje engaños y manipulaciones para traicionar a su marido en alianza con Soriano, su amante. Orestes, el único que conserva el nombre del texto clásico, se debate entre lo que el deber le exige y lo que su propio ser reclama.

En esos cinco personajes se personifican las emociones contradictorias de una misma condición humana: el remordimiento, la confusión, el amor, la lucha y la traición. Una hija enlutada por su padre; una madre enceguecida por su pasión; un hijo que abandona su tierra empuñando el puñal más filoso.

Alrededor de ellos se mueve un cuerpo colectivo de intérpretes vestidos al estilo de los años sesenta, con trajes y zapatos lustrados, cada uno empuñando un arma. Sus desplazamientos aéreos y su coordinación de pasos y gestos van contando la historia como una masa que se fusiona y se desplaza con rapidez. Esa tensión entre tragedia antigua y materia contemporánea dialoga con otras relecturas escénicas recientes, como los vestigios del melodrama en la Petra von Kant de Fassbinder o la búsqueda identitaria de Incendios.

Del tango a la cumbia, un mismo paisaje

La música organiza el puente entre épocas. El bandoneón trae el tango y un percusionista marca el pulso de toda la pieza, pero de a ratos irrumpe la cumbia villera y se mezcla con ese tango contemporáneo, tendiendo un puente con el presente. Entonces los intérpretes que vestían traje cambian a zapatillas, remeras informales y pantalones sueltos, mientras Nélida y Soriano montan una coreografía de corte contemporáneo. Cumbia y tango terminan formando parte de un mismo paisaje sonoro y social.

Ese multilenguaje propuesto por Cervera sitúa al público en una posición incómoda: la belleza aérea de los movimientos convive con un rumor perturbador que siembra misterio. La presencia constante de las armas enfiladas no ayuda a calmar la alerta, y la historia avanza tramo a tramo hacia su definición.

El gallo, la herida y la Argentina

La metáfora final es la del reñidero mismo. Como el gallo luchador que inclina la cabeza hacia atrás para tomar impulso y medir el ángulo exacto antes del picotazo, la historia se desplaza entre la belleza y la violencia. Una nube de polvo nubla por momentos la vista y confunde la pregunta esencial: quién es el vencedor y quién el vencido.

No son muchos cuerpos sino uno solo; no son todas las armas sino una única herida la que decide entre la vida y la muerte. En el fondo no deciden ni el gallo ni el polvo que se levanta: decide la venganza, pensada en clave argentina, como un hombre que besa la ternura mientras se convierte en animal. Esa imagen de percepción alterada conecta, a su modo, con las puertas de la percepción que se abren en Savia.

La ficha artística completa el panorama: el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín está dirigido por Andrea Chinetti, con codirección de Miguel Ángel Elías. La coreografía y la dirección son de Alejandro Cervera, la música original de Zypce, el vestuario de Julio Suárez, la escenografía del propio Cervera junto a Laura Copertino y la iluminación de Matías Sendón. Los músicos en vivo fueron Eliseo Tapia y Arauco Yepes. Con ese equipo, el filo del arma mortal vuelve a cortar: El Reñidero demuestra que los clásicos no se repiten, se pelean de nuevo en cada época. Su reposición confirmó, además, que la Sala Casacuberta sigue siendo un escenario propicio para que los clásicos nacionales se midan, cuerpo a cuerpo, con el presente. El público porteño respondió a esa cita con la curiosidad de siempre.